TORONTO —
Momentos após o Na cena final de “Os Fabelmans”, a peça de memória primorosamente engraçada e melancólica de Steven Spielberg, desenrolada aqui em Toronto na noite de sábado, rabisquei duas palavras em meu caderno: “truque de mágica”. Tal como acontece com muitos finais de filmes, essa cena é o que muitos espectadores que saem do cinema estarão ansiosos para discutir primeiro.
Não vou estragar nada aqui (o lançamento oficial ainda está a dois meses), mas vamos apenas dizer que o final é uma mistura cintilante de história pessoal e cinematográfica, recursos uma jóia de uma performance surpresa e fecha com um floreio visual – uma cena de despedida literal – que transforma a imperfeição em perfeição absoluta. Spielberg, que tem sido criticado ao longo dos anos por seus chutes supostamente fracos, coloca a aterrissagem aqui com uma inteligência e graça que pode deixar você se perguntando: “Como ele fez isso?”, mesmo quando fica claro que ele não poderia ter feito isso.
Esse final foi um dos poucos encantamentos reservados para o público afortunado o suficiente para se encontrar no Festival Internacional de Cinema de Toronto na noite de sábado. Este evento de 10 dias espreme de forma confiável suas maiores estreias em seu fim de semana de abertura, garantindo shows esgotados e exposição máxima na mídia; mesmo assim, foi uma jogada ousada programar a estreia mundial de “The Fabelmans” menos de uma hora depois de outra façanha deslumbrante de prestidigitação cinematográfica: “Glass Onion: A Knives Out Mystery”, a esplêndida e divertida continuação de Rian Johnson para seu mistério de assassinato estreado em Toronto em 2019, “Knives Out”.
A partir do momento em que foram anunciados, esses foram os dois ingressos mais quentes do festival, e revelá-los um ao lado do outro parecia um orgulho e uma promessa: depois de alguns anos de interrupção da pandemia do COVID-19, Toronto estava de volta com força total, baby, e talvez os próprios filmes e seu poder de cativar centenas – não, milhares – de estranhos agrupados no escuro.
“Os Fabelmans”, uma recriação amorosamente ficcional de uma vida vivida sob o poder do cinema, torna esse tema explícito desde o início. Em uma noite fria de 1952 em Nova Jersey, um garoto chamado Sammy Fabelman (Mateo Zoryon Francis-DeFord) vai ao cinema com sua família e descobre que sua vida mudou para sempre. Seus olhos são abertos, improvavelmente, por “O Maior Espetáculo da Terra”, de Cecil B. DeMille, normalmente lembrado como um dos piores filmes a ganhar o Oscar de melhor filme, mas ei, os deuses do cinema trabalham de maneiras misteriosas.
Essa é uma lição que Sammy aprenderá repetidamente com o passar dos anos, trazendo mudanças mundanas e importantes, incluindo sua constante transformação de um apaixonado jovem amante do cinema em um emergente mestre cineasta. (Ele é interpretado em sua adolescência, e na maior parte das 2 horas e meia de duração do filme, por Gabriel LaBelle.)
Sammy é acompanhado nesta jornada pelos outros membros de sua família judia muito unida: suas irmãs mais novas, que adoram atuar em seus primeiros filmes caseiros, e seus pais, que apoiam sua obsessão de forma variável. Seu pai, Burt (Paul Dano), um desenvolvedor de computadores em ascensão, é paciente e gentil, se também muito pragmático e viciado em trabalho para apreciar plenamente os dons de Sammy. Sua mãe, Mitzi (Michelle Williams), é emocionalmente generosa e tempestuosa por natureza, com uma sensibilidade artística apaixonada – ela é uma pianista talentosa – que reflete a de Sammy.
Mais de uma vez vemos Mitzi amontoada no escuro para assistir a um dos curtas de seu filho, e cada vez que ela vê a pega de surpresa, nem sempre agradavelmente. Em “Os Fabelmans”, a luz bruxuleante de um feixe de projetor pode fabricar belas mentiras e trazer verdades feias à tona, às vezes na mesma instância.
E qual é o proporção precisa de mentiras para verdades nesta viagem cativante e astutamente calculada pela estrada da memória? Só Spielberg realmente sabe. (Seu roteirista de retorno, Tony Kushner, também pode ter um pressentimento.) A questão paira sobre todas as experiências de Sammy: a reviravolta de várias mudanças familiares de Nova Jersey para o Arizona para a Califórnia, uma lição de amor difícil (ministrada por um maravilhoso Judd Hirsch) sobre o que significa dar sua vida à arte, um fatídico acampamento com um amigo da família (Seth Rogen), perdas devastadoras e atos de traição, ataques antissemitas cruéis na escola, as agitações do amor jovem. Mas ficar preso a exatamente o que aconteceu e o que não aconteceu parece especialmente limitante em um filme que, como a maioria dos truques de mágica, depende de uma trama astuta de substância e ilusão.
Com lançamento previsto para 11 de novembro pela Universal Pictures, “Os Fabelmans” já está sendo aclamado por muitos, talvez um pouco presunçosamente, como o filme mais pessoal de Spielberg – seu “Fanny e Alexander”, seu “Amarcord”. Mas pode ser mais precisamente entendido como uma obra exclusivamente confessional, na qual um grande artista reconhece livre e alegremente a manipulação inerente à forma de arte que ele nasceu para dominar.
No final, o jovem Sammy fez filmes de ação, terror, faroeste e guerra; ele também aprendeu a usar o meio para ocultar e distorcer a verdade, para dobrar a realidade à sua vontade narrativa. Exercer controle sobre sua arte – e como os partidários e detratores de Spielberg sabem, poucos cineastas controlam seu material com tanto rigor – torna-se um meio de entorpecer, deslocar e às vezes sanear sua própria dor agudamente sentida.
É a mãe de Sammy, Mitzi, que percebe esse insight quando vê seu filho trabalhando pela primeira vez. E o desempenho vibrante e lento de Williams é sua própria e soberba (e novamente, extremamente calculada) réplica à acusação de que a filmografia de Spielberg é relativamente carente de personagens femininos significativos – uma acusação que ele reconhece aqui em uma divertida auto-escavação de uma cena.
E assim “The Fabelmans” torna-se um roteiro em desenvolvimento gradual para a carreira de Spielberg, no qual alguns de seus motivos de carreira mais queridos se encaixam cuidadosamente. Ele nos mostra, não pela primeira ou pela última vez, que a vida suburbana pode ser uma comédia agitada e uma tragédia dolorosa reunidas em uma, e que há poucas imagens mais emocionantes do que a de um rosto iluminado na escuridão, seja de a presença de um visitante de outro mundo ou o brilho de uma tela de cinema. Ele também nos lembra, com uma alegria que antecipa as alegrias de tudo, de “Duel” a “Raiders of the Lost Ark” e além, que há poucas coisas mais satisfatórias do que ver um valentão receber sua punição.
Edward Norton, Madelyn Cline, Kathryn Hahn, Dave Bautista, Leslie Odom Jr., Jessica Henwick, Kate Hudson, Janelle Monáe e Daniel Craig no filme “Glass Onion: A Knives Out Mystery.”
(TIFF)
Falando em valentões e punições: O primeiro “Knives Out” foi tanto um mistério densamente tramado quanto o história da queda bem merecida de uma família monstruosamente rica. “Glass Onion” continua a dar o devido valor aos canalhas da América, embora desta vez o foco não seja uma família, mas sim um círculo interno de disruptores autodenominados.
Suas fileiras incluem uma cientista pioneira (Leslie Odom Jr.), uma política astuta (Kathryn Hahn), um gênio da tecnologia (Edward Norton), uma moda eminentemente cancelável ícone (Kate Hudson), um defensor dos direitos dos homens (Dave Bautista) e um associado descontente (Janelle Monáe) que foi recentemente expulso do grupo. -true fashion whodunit, esses amigos e frenemies se reúnem em um local remoto – neste caso, um complexo luxuoso em uma ilha grega particular – para um fim de semana de isolamento e intriga. A pandemia está em pleno andamento, uma das várias referências aos eventos atuais em uma comédia cujos golpes são sempre meticulosamente atualizados. Mas mesmo quando as máscaras COVID-19 dos personagens são retiradas, qualquer número de disfarces e fachadas falsas permanecem cuidadosamente no lugar, para serem detectados – e engenhosamente expostos – pelo detetive desajeitado e brilhante de Daniel Craig, Benoit Blanc, que por algum misterioso circunstância encontra-se um convidado neste encontro apenas para convidados.
Ainda mais do que em “Knives Out”, Craig devora o papel deste detetive sulista com prazer (mais talvez alguns outros condimentos deliciosos); liberado dos esforços de James Bond, ele parece estar se divertindo muito. Há um prazer especial em ver o ator que famosamente vestiu calções de banho La Perla apertados em “Casino Royale” aparecer à beira da piscina em um conjunto vintage de cabana listrada de azul. Eu não acho que isso conte como um spoiler, embora com o infernalmente complicado “Glass Onion” – um título que se refere a uma música dos Beatles, sim, mas também uma construção arquitetônica muito grande, muito literal – você nunca pode ter certeza. Antes da exibição de sábado, publicitários e organizadores do festival alertaram os presentes para não estragar os principais detalhes da trama, embora, como sempre, exatamente o que esses detalhes possam ser está aberto à interpretação. Vou jogar junto por enquanto, especialmente porque a destreza pura da trama de Johnson é impressionante o suficiente para garantir o sigilo. Você não precisa se preocupar em tropeçar nas identidades do assassino ou da(s) vítima(s) aqui, ou a natureza do modus operandi particular desse assassino. Vale a pena notar que a complexidade aqui é, de certa forma, mais estrutural do que situacional, o que quero dizer que Johnson – que observou em suas perguntas e respostas pós-exibição que todo grande filme policial deve funcionar como um filme em primeiro lugar – construiu essa história com um virtuosismo que se revela cinematograficamente. Uma reviravolta dramática no meio do filme abre a narrativa, não muito diferente das caixas de quebra-cabeças provocantes e elaboradas que figuram no enredo desde o início.
virtuosismo e delírio cômico sustentado, “Glass Onion” pode parecer um pouco menos hermético e um pouco mais confortável do que seu antecessor, e talvez um toque derivado na maneira como repete certas dinâmicas de personagens. No lado positivo, os personagens aqui parecem mais vividamente habitados e mais especificamente desenhados do que suas contrapartes anteriores. A política é mais sutil e afiada; o delicioso bufê de “Knives Out” deu lugar a uma crítica pontiaguda da classe bilionária contemporânea e dos patifes e camaradas que se agarram a ela como cracas.
E a ironia do espeto anti-disrupção do filme certamente não passa despercebida por Johnson, já que “Glass Onion” está sendo lançado pela Netflix, que há muito se vê como o designado upender do negócio do cinema. (O filme começa a ser transmitido na plataforma em 23 de dezembro após uma data de lançamento nos cinemas ainda a ser anunciada, e uma terceira parte está prevista para 2024.)
O primeiro “Knives Out” arrecadou mais de US$ 300 milhões em todo o mundo, um total raro e merecidamente robusto para uma propriedade original. É duvidoso que “Glass Onion” chegue perto desse total com seu lançamento nos cinemas menos prioritário desta vez, o que é uma chatice, já que um filme tão bom merece a beleza de uma tela grande e a energia de uma casa lotada.
É mais uma razão pela qual eu estava grato por estar em Toronto no sábado à noite para pegar essa nota dupla estranhamente complementar, esse instantâneo inadvertido de um meio em fluxo. Se “The Fabelmans” lança um olhar elegíaco para trás nas clássicas exibições de imagens da juventude de um grande cineasta, “Glass Onion” oferece um lembrete astuto de que o meio ainda está repleto de possibilidades futuras, desde que os megalomaníacos responsáveis não as apaguem. Fora. Chame-os de dois truques diferentes de dois mágicos que não querem que o cinema desapareça.
