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Os cinco candidatos a melhor musical deste ano oferecem um portfólio diversificado. Para alguns, a divisão será entre independência artística e prazer comercial. Mas o apelo do público está, em última análise, nos olhos (e ouvidos) de quem vê. A baboseira estúpida de um frequentador de teatro é o capricho inspirado de outro frequentador de teatro.
Poucos chamariam isso de colheita abundante. Mas o rendimento nos lembra que a inventividade não é uma função do material de origem. Filmes, catálogos de música e peças de teatro, até mesmo programas de TV antigos esquecidos, são um jogo justo. Não faz diferença se o ponto de partida é um clássico ou um doce pop. O que importa é o que é feito com a inspiração – a profundidade e o vigor da transformação criativa.
As classificações não são mais justificáveis para obras de arte do que concursos de premiação, mas a competição faz parte do teatro desde que os antigos gregos começaram a distribuir prêmios para peças em festivais dramáticos. Com esse espírito, apresento minha ordem numérica dos novos musicais que chegaram ao topo desta temporada de premiações.
“New York, New York” no St. James Theatre.
(Paulo Kolnik)
5. ‘Nova York, Nova York’, St. James Theatre
As expectativas eram altas para esta adaptação musical do filme de Martin Scorsese de 1977, estrelado por Robert De Niro e Liza Minnelli. E como eles poderiam não estar com uma trilha sonora da lenda viva John Kander (complementada com letras de Lin-Manuel Miranda) e uma produção dirigida pela cinco vezes vencedora do Tony Tony, Susan Stroman?
Infelizmente, o excesso de talentos resultou em um show com mais boas intenções do que pode ser contido em um único musical coerente. Cheio de exibicionismo de tirar o fôlego, toque coreográfico e o deslumbramento visual dos conjuntos de cartões postais, “New York, New York” é contido por um livro superestofado e pouco dramatizado que mostra sua seriedade na manga.
Situado no auge do otimismo pós-Segunda Guerra Mundial, o show se entrega à nostalgia da velha Nova York, mas de uma lente política contemporânea. A história é sentimentalizada, fazendo com que os enredos esboçados pareçam ainda mais artificiais. Os números carregam seu próprio ímpeto, mas poucos são conquistados dramaticamente. Ainda assim, quando Anna Uzele (que atua ao lado de Colton Ryan) se levanta no final para uma versão poderosa de “New York, New York”, a música que Minnelli derrubou do parque no filme e que Frank Sinatra tornou a cidade não oficial hino, o musical torna-se o sonho de um turista.
Christian Borle e J. Harrison Ghee com o elenco de “Some Like It Hot” no Shubert Theatre.
(Marc J. Franklin)
4. ‘Some Like It Hot’, Teatro Sam S. Shubert
O programa com mais indicações (13), “Some Like It Hot” oferece uma versão atualizada da clássica comédia de 1959 de Billy Wilder. A configuração de dois homens se disfarçando de mulheres para que possam se esconder na estrada com uma banda só de mulheres para escapar da ira de gângsteres furiosos é deliciosamente familiar, mas o tratamento de questões de gênero e identidade é revigorantemente novo.
O livro de Matthew López (autor da peça vencedora do Tony “The Inheritance”) e Amber Ruffin atualiza o conto com sensibilidade, mas a complexidade alcançada deve tudo à atuação magnética de J. Harrison Ghee (um dos dois atores não-binários indicados este ano), cujo personagem encontra a verdadeira autenticidade através do que começou como uma farsa de Shakespeare.
Metade de uma comédia de amigos que também estrela um jogo Christian Borle, “Some Like It Hot” tem uma trilha sonora de Marc Shaiman e Scott Wittman (a equipe vencedora do Tony por trás de “Hairspray”) que trabalha arduamente para dar ao público um bom tempo. Infelizmente, o som da big band tem uma qualidade genérica que as empolgantes vocalistas do elenco (NaTasha Yvette Williams, Adrianna Hicks) devem trabalhar horas extras para resgatar.
Algumas das primeiras canções parecem ter saído de uma linha de montagem. Não é até o segundo ato que a composição se conecta mais intimamente com os personagens – Daphne de Ghee, acima de tudo, mas também Kevin Del Aguila como Osgood, o milionário proprietário de hotel que se apaixona pelo glorioso e lindo humano anteriormente conhecido como Jerry, agora chamada Daphne. A mensagem de amor é o amor é posta à prova de farsa, mas a direção e a coreografia de Casey Nicholaw não têm problemas em acompanhar o ritmo louco das travessuras.
Ben Jackson Walker, Lorna Courtney, Betsy Wolfe e Melanie La Barrie em “& Juliet” no Stephen Sondheim Theatre.
(Mateus Murphy)
3. ‘& Juliet’, Teatro Stephen Sondheim
Eu beijei um musical jukebox e gostei. A música de Katy Perry não pode deixar de passar pela minha cabeça enquanto reflito sobre o tempo surpreendentemente bom que tive nesta reformulação de “Romeu e Julieta” de Shakespeare, com os tesouros pop no cofre de música do produtor Max Martin. (Os sucessos de Perry figuram com destaque.)
Normalmente, nesses tipos de shows, as canções famosas são colocadas em um livro que não se preocupa com os detalhes dramáticos. Lógica e plausibilidade são mantidas em suspenso para preparar o caminho para o próximo número pop suculento. Esse não é o caso aqui, graças ao roteiro inteligente de David West Read, que encontra uma estrutura flexível para a diversão e os jogos neo-Shakespeareanos.
Anne (uma ardente Betsy Wolfe) tem algumas notas para o marido Shakespeare (Stark Sands) em seu novo roteiro. E se Julieta não morrer? E se ele finalmente escrevesse uma jovem personagem feminina que é realmente empoderada? E se, em vez de ficar no túmulo, ela escapasse com um buquê para a cena do clube renascentista em Paris e encontrasse um novo amor?
O espírito de “& Julieta” é tão receptivo e aberto que é fácil aceitar qualquer nova ruga maluca que seja introduzida nesta comédia pós-tragédia. O canto glorioso, que rivaliza com as faixas vocais nos discos originais de ouro, faz tudo cair tão facilmente. Eu me preocupava com o destino romântico da Julieta de Lorna Courtney e os interesses amorosos de seu grupo de viajantes, mas principalmente eu só queria me juntar a eles na pista de dança. Dirigido por Luke Sheppard e coreografado por Jennifer Weber, a produção transforma uma comédia musical inteligente em uma rave alegremente irresistível.
Alex Newell, à esquerda, Caroline Innerbichler, Kevin Cahoon e Andrew Durand em “Shucked” no Nederlander Theatre.
(Mathew Murphy e Evan Zimmerman)
2. ‘Shucked’, Nederlander Theatre
Um musical sobre milho? Com livro de Robert Horn e trilha sonora de Brandy Clark e Shane McAnally, “Shucked” não é apenas o musical mais hilário do ano. A produção de primeira linha, dirigida por Jack O’Brien, também é a mais charmosa. Imagine o antigo programa de variedades de TV “Hee Haw” em um mundo pós-“Livro de Mórmon”. Horn, que ganhou um Tony por seu livro para o musical “Tootsie”, é sem dúvida um dos escritores de teatro musical mais engraçados da atualidade.
A configuração cafona de “Shucked” envolve uma crise na safra. Maizy (Caroline Innerbichler), noiva de Beau (um vencedor Andrew Durand), faz uma peregrinação a Tampa, Flórida, para consultar um especialista em milho chamado Gordy (John Behlmann), que nada mais é do que um vigarista bonito. Segue-se o caos romântico, narrado por um par de observadores genialmente irônicos (interpretados por Ashley D. Kelley e Gray Henson) e apresentando um excelente trabalho de apoio de Alex Newell e Kevin Cahoon, ambos os quais receberam indicações ao Tony pela maneira como usam suas caracterizações hayseed com uma diferença digna.
A história é exagerada, mas a nova música country de Clark e McAnally mais do que compensa – especialmente quando Durand está em pleno vôo e Newell está no modo de parar o trânsito. “Shucked”, o musical mais alegre do ano, colheu uma nova fartura de cultura americana que é mais agradável e travessa do que no passado. Esta versão renascida de “Hee Haw” pode apenas reunir uma América fraturada para uma risada muito necessária.
Victoria Clark, à esquerda, Justin Cooley e Steven Boyer em “Kimberly Akimbo” na Broadway.
(Joana Marcus)
1. ‘Kimberly Akimbo’, Booth Theatre
“Kimberly Akimbo”, musical de David Lindsay-Abaire e Jeanine Tesori adaptado da peça de Lindsay-Abaire de 2001, é o queridinho da crítica do ano. Este show inusitado tem uma superfície satírica afiada que expõe a crueldade casual e a hipocrisia da vida familiar e os tortuosos jogos mentais do ensino médio. Mas seu interior terno traz uma consciência aguda da natureza efêmera da vida, a maré flutuante de alegria e tristeza e a inevitabilidade da perda.
O melhor dos cinco shows indicados em virtude de sua originalidade travessa e poética, “Kimberly Akimbo” é construído em torno de uma performance imponente de Victoria Clark, que interpreta a adolescente personagem-título, que sofre de uma condição genética que está rapidamente transformando-a em uma senhora idosa. O tempo literalmente acelera para Kimberly, cuja maturidade emocional já supera a de seus pais, que, como os outros adultos do musical, ainda parecem presos na adolescência. No entanto, a juventude não é uma barreira para a sabedoria, como Kimberly descobre através de sua amizade com Seth (Justin Cooley, em uma estreia inesquecível na Broadway), seu único colega de classe que vê sua alma radiante sob sua aparência enrugada.
Este é um show pequeno que provavelmente deveria ter sido menor – em dois atos, parece prolongado. A máquina de hype teatral precisa de um vencedor, mas não vamos segurar o modo como “Kimberly Akimbo” foi elogiado demais contra ela. O musical, que apresenta uma partitura pastiche com a versatilidade sob medida de Tesori, é melhor apreciado como uma brincadeira inesperada – um deleite travesso e sociável, aprofundado por sombras mortais que encorajam o desbloqueio da eternidade em um momento passageiro de contentamento compartilhado.
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