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O exterior do Hammer Museum está abrigado em folhas prateadas de chuva e forte neblina hoje. Mas por dentro, a atmosfera é ainda mais dramática.
O lobby é completamente envolto em uma intrincada teia de fios vermelho-sangue. Faixas rendadas pendem do teto e sobem pelas paredes. Fios do material enrolam-se ao redor dos corrimãos da escada e se espalham pelo teto, como um fungo, quase o obscurecendo.
Enquanto isso, em outra área do museu — um ex-espaço de banco cavernoso transformado em galeria de exposições – há o que parece ser um buraco de minhoca brilhante de viagem no tempo. A galeria mal iluminada se enche de névoa que escorre de jatos de teto e lasers verde-néon brilhantes cortam a névoa, iluminando-a junto com nuvens de poeira flutuantes.
Os ambientes inusitados no saguão e na galeria do banco são instalações imersivas em grande escala da artista japonesa Chiharu Shiota e Rita McBride, respectivamente. O Hammer está revelando a fase final de seu projeto de expansão e renovação de duas décadas e $ 90 milhões, projetado por Michael Maltzan Architecture, esta semana. Além de um novo terraço de esculturas, com uma peça monumental de Sanford Biggers, o projeto inclui um novo saguão e entrada na esquina das avenidas Wilshire e Westwood e uma enorme galeria para obras e performances de grande escala, entre outros usos, em o antigo espaço do City National Bank ao lado.
É um momento crítico para o museu, e Shiota e McBride são os artistas perfeitos para criar as obras inaugurais dos novos espaços que os abrigam, diz a curadora do Hammer, Erin Christovale.
“Estamos trabalhando com artistas ambiciosas que são mulheres que estão constantemente ultrapassando os limites do que é considerado trabalho feminino, que estão ultrapassando os limites da escultura e da instalação”, diz Christovale. “E acho que é isso que o Hammer sempre representou – apoiando, particularmente, as mulheres e tendo uma inclinação feminista.”
A artista Chiharu Shiota trabalhando em sua instalação, “The Network”.
(Ricardo DeAratanha / Los Angeles Times)
Estar dentro de “The Network” de Shiota é como se aninhar dentro de uma válvula cardíaca humana. Os fios de lã em forma de veios formam dossel sobre a escada do saguão, de modo que os visitantes devem passar por túneis para entrar no museu. À medida que a instalação está em andamento, carretéis de fios são colocados no chão de concreto ao redor do saguão e pilhas de fios soltos nos cantos.
A sede em Berlim Shiota, que começou como pintora, considera a obra um “desenho no espaço” tridimensional e escultural.
Ela diz que o trabalho, como o título sugere, é sobre conexões – redes comunitárias, redes neurais, redes de computadores. A história de origem da obra é um mito japonês, diz ela. Como diz a história: quando um bebê nasce, ele tem um pedaço imaginário de fio vermelho preso ao dedo que se conecta a todos que ele conhece em sua vida.
“Se você vive em sociedade, todos estão conectados por uma linha invisível”, diz Shiota.
A peça também é site-specific, relacionando-se com o museu neste momento importante de sua história. A teia de fios que cruza o lobby refere-se às conexões entre a artista, sua equipe, o Hammer e os visitantes que irão preenchê-lo. Também se relaciona com infinitas interpretações das muitas obras de arte em exibição no Hammer.
“Gente que vem ao museu, a arte contemporânea não tem [standard interpretation]”, diz Shiota. “Todos podem pensar livremente. Está aberto. 100 pessoas, 100 opiniões. Diferentes tipos de emoções.”
Fio usado pela artista Chiharu Shiota para sua instalação em grande escala, “The Network”.
(Ricardo DeAratanha / Los Angeles Times)
Teias de fios são os materiais de assinatura de Shiota, diz Christovale, que fez a curadoria de “The Network”. Shiota apresentou uma peça semelhante na Bienal de Veneza 2015. Ela é atraída pelo fio por sua versatilidade, diz ela. “Eu gosto desse material porque às vezes embaraça, às vezes você corta, perde, ou fica tenso. É como relacionamentos entre seres humanos.”
Para fazer a peça, a Hammer trouxe 800 quilos de fios. Shiota e sua equipe estão tecendo há duas semanas – levará três semanas quando a peça for lançada.
Sentada em uma parte coberta do pátio do museu enquanto a chuva cai ao seu redor, Shiota brinca com um novelo de lã no colo, repetidamente enrolando, torcendo e enrolando o fio entre as pontas dos dedos. “Olha, você pode ver [it] através do vidro!” ela diz sobre a obra de arte, enquanto atravessa o pátio voltando para o saguão.
Ela está especialmente animada, diz ela, sobre como o trabalho é visível da rua. O antigo saguão tinha menos janelas e menores; o novo espaço tem janelas altas ao longo da parede que dá para Wilshire. Do lado de fora, a obra de arte vermelha brilhante de Shiota se destaca no exterior cinza e bege do edifício e é visível para os transeuntes a pé e em seus carros.
“É muito importante essa impressão rápida”, diz ela. “As pessoas que passam, talvez queiram entrar. [become curious] e eles pensam, ‘Oh, a arte é interessante.’”
Instalação a laser da artista Rita McBride, “Particulates”.
(Ricardo DeAratanha / Los Angeles Times)
Lá no velho banco, está quieto e escuro e estranhamente quieto antes que as luzes se acendam. Então, em um instante, o espaço se transforma em um cenário etéreo de ficção científica. O foco de “Particulates” de McBride é uma parede pintada de preto com um corte cilíndrico gigante e um agrupamento de 16 lasers verdes de alta intensidade que disparam através dela. Eles se interligam, formando um feixe de aparência tridimensional composto por padrões geométricos – uma parábola hiperbólica rotacionada . O feixe brilhante se transforma, dependendo do ângulo em que a peça é vista – alongada e semelhante a um túnel de um ângulo, torcida e mais compacta de outro – dando ao trabalho de luz uma sensação quase orgânica e viva.
Os lasers ganham vida quando se cruzam com névoa e pedaços de poeira no ar, parecendo especialmente brilhantes e animados. O trabalho reflete nas superfícies da sala, com seções transversais brilhando contra o cofre do banco, as paredes e as janelas – mesmo através das janelas, na escultura de Biggers do lado de fora e na calçada além.
A artista, que divide seu tempo entre Düsseldorf, na Alemanha, e Los Alamos, na Califórnia, considera a obra uma instalação escultórica imersiva que é também um desenho no espaço. Ela pediu ao Hammer que mantivesse grande parte do espaço do banco “bruto” enquanto o museu estava sendo reformado. O arquitecto manteve o revestimento das paredes em folheado de madeira, os balcões administrativos em mármore, o piso em tijoleira original em mármore e a abóbada do banco. O museu lixou e recobriu o piso diretamente abaixo dos lasers, para que a água se acumulasse ali e criasse uma superfície reflexiva.
“O trabalho de Rita quase sempre envolve a arquitetura”, diz a curadora-chefe da Hammer, Connie Butler, que fez a curadoria desta apresentação de “Particulates”. “Ela queria o resíduo da ruína corporativa.”
Dessa forma, “Particulates” não é apenas site-specific, mas também site-integrative, com restos do espaço do banco – os detritos deixados para trás – servindo como material na obra de arte, além dos lasers, a névoa e as partículas de poeira .
“Fiquei empolgado por ter um espaço um tanto politicamente carregado – os bancos são espaços cobrados”, diz McBride. “O vocabulário deste espaço era muito específico em termos de mármore, granito e painéis – parecia muito anos 80 para mim – e eu queria manter um pouco desse vocabulário presente em vez de reduzir tudo a um cubo branco ou preto cubo, coisas que o tornariam mais neutro.”
O trabalho também é sobre viagem no tempo, luz e espaço, conexões e física quântica.
“Trata-se dessa possibilidade de poder se conectar com lugares desconhecidos”, diz McBride. “Buracos negros e viagens por essas distâncias que são desconhecidas para nós ou para onde nos levam. É também uma oportunidade de sair da consciência do momento e imaginar um universo muito maior.”
A artista Rita McBride pediu ao Hammer para manter grande parte do espaço do banco “bruto” enquanto o museu estava sendo reformado para sua instalação a laser, “Particulates”.
(Ricardo DeAratanha / Los Angeles Times)
Uma versão de “Particulates” foi exibida na Bienal de Liverpool de 2016; outra foi apresentada na Fundação Dia Art em 2017. Ambas as exposições foram em espaços fechados sem janelas. A galeria do banco inclui janelas quase do chão ao teto em dois lados, que são fortemente coloridas para esta exposição, de modo que a galeria permaneça escura e os lasers se destaquem.
“Esta é a primeira vez que consigo trabalhar com a chegada da vida real”, diz McBride.
Assim, o trabalho muda com o clima, a umidade do ar, a hora do dia e a luz. “Estou trabalhando com a luz de uma maneira diferente, a luz do dia”, diz McBride. “Muda sempre. É incrivelmente flexível e bonito.”
A obra faz parte da coleção permanente do Hammer, mas o museu nunca a expôs antes – não tinha espaço suficiente até agora. Pretende usar a galeria do banco para outras obras de grande porte do acervo que ainda não foram expostas. “Funciona onde a escala é adequada”, diz Butler. “Ou isso ficaria ótimo em um espaço como este, um espaço semi-bruto com tetos altos.”
Isso inclui uma escultura pesada e alta de Lauren Halsey, um monumento à história negra e uma instalação de vídeo multitela de Paul Chan.
Enquanto “The Network” e “Particulates” são obras de arte totalmente diferentes — o primeiro mais tátil e textural e o segundo mais digital e efêmero — eles parecem estar em uma conversa direta. Ambos são compostos de fios entrelaçados – teias – que evocam reações viscerais poderosas.
E ambas as obras, por ocasião da estreia do novo Hammer Museum, são sobre conexões.
“Eles dão o tom”, diz Christovale. “Que estamos dando um salto.”
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