.
A palavra “espectro” apareceu em quase todas as entrevistas com os compositores candidatos ao Oscar destacados nesta edição. Às vezes, tratava-se de favorecer os extremos mais claros ou mais sombrios de uma gama emocional ou, em um caso, honrar o continuum entre as mulheres guerreiras da África do século XIX e as mulheres da própria vida de um compositor. Com “Nope”, foi parte de todo o conceito de Jordan Peele para o filme.
O espectro de sons e cores musicais ouvidos nas melhores partituras deste ano vai do subliminar (“Tár”) ao explosivo (“She Said”), da inocência infantil (“The Banshees of Inisherin”) aos gritos de guerra (“The Mulher Rei”). Três partituras – “Women Talking”, “Nope” e “White Noise” – todas deslizam entre a música quente e esperançosa de casa e a contagem regressiva de um relógio do dia do juízo final (procure por elas em outras partes desta edição). A música do filme de 2022 está repleta de fúria reprimida e humor negro como breu, males antigos e monstros contemporâneos, homens com bloqueios emocionais e mulheres que precisam finalmente entrar em erupção. Aqui estão três que foram apropriadamente lírico, inflamável e – às vezes – muito engraçado.
Terence Blanchard no trabalho.
(Jordan Cozart Blanchard)
Terence Blanchard
“A Mulher Rei”
Terence Blanchard ficou feliz por ter visto pela primeira vez “The Woman King” sozinho – “porque eu estava chorando pra caramba, cara”, diz ele, rindo. “E eu estava tentando ser legal, você sabe. Mas essas duas últimas cenas, para mim, fazem o filme.”
No filme de Gina Prince-Blythewood sobre as guerreiras do Reino do Daomé, na África Ocidental, Viola Davis interpreta a líder Agojie Nanisca, uma máquina feroz de uma mulher cuja vulnerabilidade e coração só lentamente começam a se abrir. Sem revelar nada, Blanchard ficou comovido com essa progressão, mas sabia que tinha que segurar suas cartas emocionais até o momento certo.
O falecido baterista de jazz Art Blakey “costumava fazer uma coisa em que tínhamos que tocar essa deixa, e aí seria o fim do show”, lembra Blanchard. “Mas ele faria essa coisa vocal, ele diria: ‘Boom – ainda não! Boom – eu vou te dizer quando!’ E então, ‘Bem aqui – BANG.’ Isso é o que eu continuei sentindo vontade de trabalhar nisso. É tipo: não, não, não, ainda não, ainda não.”
Ele marcou as cenas de abertura, que pintam um retrato da vibrante e próspera vila do Daomé, com pastorale africana – saltando uma orquestra de cordas junto com um groove suave de instrumentos regionais, incluindo kalimba e kora. Música para o paraíso antes da queda.
“A beleza e o esplendor deste reino definem todo o resto”, diz Blanchard. “Então, para mim, a música tinha que ter aquele tipo de ressonância quente e familiar. Eu queria fazer parecer que este é um bairro do qual qualquer um gostaria de fazer parte.
No filme, há a frase “Há um mal que eles não sabem que está por vir”, referindo-se à invasão do comércio de escravos. “Essa é a justaposição da música, bem ali”, diz Blanchard.
“Eles caminhando para o reino e circulando – contra Nanisca, que está fora do reino e vê a realidade do que está acontecendo. Há uma ampla distinção entre os dois.”
A vulnerabilidade espiritual e emocional da história foi o que fez as sequências de ação cinética do filme funcionarem, acredita Blanchard – e ele queria contrastar e complementar os dois pólos.
Chorus desempenha um grande papel em sua trilha – seja cantando, cantando ou cantarolando – liderado pela cantora Dianne Reeves. Blanchard estava pensando em como o grupo vocal sul-africano Ladysmith Black Mambazo sempre o lembrava da música gospel americana.
“Quando comecei a pensar nas mulheres Agojie e em como elas eram fortes”, diz ele, “parece que o DNA foi transferido para as mulheres com quem cresci. Para mim, existe uma conexão entre a forma como fui criado e o que eu via na tela. E crescendo em uma igreja, essa música é uma música muito comunitária e uma música muito poderosa.”
“De uma maneira estranha”, diz ele, “parece que fui reconectado a algo de que fui tirado. … [It] apenas me senti familiar, de uma forma que não consigo explicar. Eu queria que a música fosse culturalmente conectada ao Daomé, mas ainda espiritualmente conectada à nossa linhagem.”
O compositor de “She Said” Nicholas Britell.
(Genaro Molina / Los Angeles Times)
Nicolau Britell
“Ela disse”
Nicholas Britell apresentou a violoncelista Caitlin Sullivan na maioria de suas trilhas sonoras – principalmente em “If Beale Street Could Talk”. Mas quando ele viu “She Said”, um intenso procedimento sobre os dois repórteres do New York Times que divulgaram a história de agressão sexual de Harvey Weinstein e desencadearam o movimento #MeToo, ele sentiu fortemente que ela deveria desempenhar um papel ainda maior.
“Há muitas partes do filme em que eu adaptaria as coisas para combinar com a investigação e seguir essas necessidades realmente funcionais”, diz ele. “Mas acho que o que realmente me atraiu nisso foi explorar o mundo emocional interior. E o resultado maravilhoso disso foi colaborar com Caitlin como co-produtora da trilha – algo que nunca tivemos a oportunidade de fazer antes.”
Sullivan e Britell também são casados e se conhecem desde logo após o colegial.
“Todos os dias falamos sobre música”, diz Sullivan, “e acho que basicamente vivemos e respiramos todas essas conversas sobre o que sentimos sobre música, quais artistas nos entusiasmam. … Mas parecia uma progressão bastante natural querer trabalhar um pouco mais profundamente juntos.
Sullivan teve uma forte reação emocional ao filme de Maria Schrader, estrelado por Carey Mulligan e Zoe Kazan como Megan Twohey e Jodi Kantor, desvendando destemidamente o encobrimento de décadas da predação sexual de Weinstein e simpatizando com o trauma de suas muitas vítimas. Ela traduziu sentimentos de fúria em efeitos viscerais – como estalar cordas no braço de seu violoncelo ou dedilhar uma corda com a parte de trás de sua unha “para criar um som percussivo, reverberante e repetitivo que eu senti que era corajoso, mas também tenaz”.
Ela criou um efeito de arpejo rodopiante, que Britell transformou em um motivo para a “memória do trauma”. “Simboliza essa ideia de complexidade, dor e sensação de precisar lidar com isso de alguma forma”, diz ele. “Você não sabe quando isso vai voltar e, ocasionalmente, ele levanta sua cabeça. Isso é algo que a partitura está tentando expressar ativamente.”
A grande parte das cordas e da partitura do piano gira, estala e cresce, às vezes quebrando em enormes ondas sonoras – explodindo em nome dessas mulheres que foram aterrorizadas em silêncio.
“Havia uma sensação de docudrama”, diz Britell. “Ao mesmo tempo, senti que era realmente importante que toda a gama de emoções fosse sentida por meio disso. Não é um documentário. E na superfície há essa investigação, há essa busca pela verdade e pela história real – mas acho que uma das coisas realmente especiais que Maria fez, que todo o filme faz, é entrar nessa questão de público e privado, do tipo de sentimentos internos e externos do mundo”.
“Esse era realmente o centro do mundo emocional que eu procurava na música”, diz ele, “era essa questão de como equilibrar a vida pública e privada das pessoas e a jornada interior de Megan e Jodi – mas também em certo sentido, eu acho, todas as mulheres.
Carter Burwell no trabalho.
(James Gillham / Cortesia de Searchlight Pictures)
Carter Burwell
“As Banshees de Inisherin”
Uma das primeiras coisas que Martin McDonagh disse ao compositor Carter Burwell sobre seu novo filme “The Banshees of Inisherin”: “Não quero nenhuma música de filme irlandês nisso”.
Burwell ri: “Então eu tive que levar isso a sério.”
A história se passa em uma ilha irlandesa fictícia e habitada por personagens ultra-irlandeses – liderados por Colin Farrell e Brendan Gleeson como dois velhos amigos cujo relacionamento é repentina e inextricavelmente rompido.
“Todo o resto é muito irlandês”, diz Burwell – “os sotaques, as roupas, a situação, o pub. Ele não deixou claro comigo o que queria fazer, mas está claro que o que ele não queria era que a música o deixasse na Irlanda. Ele queria que isso levasse você a outro lugar.
Burwell se concentrou no personagem de Farrell, Pádraic, um fazendeiro caracterizado por seu amigo como um idiota. Ele escreveu música lenta para celesta, harpa, marimba e glockenspiel – que “tudo parecia funcionar basicamente em termos de pintá-lo como uma criança, como um filho varão. Todos esses são instrumentos que você pode encontrar em uma escola primária.
Uma das faixas musicais temporárias que McDonagh usou foi, surpreendentemente, uma peça de música de gamelão indonésio. Então, Burwell sutilmente colocou em camadas elementos de gongos de gamelão sob aquela música alta e infantil. “Isso tornou tudo não tão alegre”, diz ele. “Há algo ali que não se encaixa, e você realmente não consegue identificar o que é. Há algum mistério no fundo da música.”
Assim como há um mistério nesta ilha, com personagens em desespero e uma velha que profetiza suas mortes, onde uma simples desavença se transforma em automutilação e tentativa de assassinato. Pádraic começa aparentemente no extremo inocente do espectro moral – mas com o tempo ele viaja para alguns extremos bastante sombrios.
Burwell gostava de ter sua música nesses idiofones semelhantes a sinos, porque “eles nunca vão ficar sentimentais. Não existe linha triste de marimba. Então isso meio que inocula você, usando esses instrumentos, de se preocupar com a música ficando realmente triste.”
No entanto, é um filme profundamente triste que também é muito engraçado, um nexo que McDonagh e Burwell parecem ter aperfeiçoado.
“Eu acho que é seguro dizer que nós dois vemos a vida como uma tragédia sem fim para a qual você tem que encontrar uma piada”, diz Burwell – com uma risada.
.
