.
‘Por favor, amor, por favor’
Destinado diretamente aos fãs de John Waters e Pedro Almodóvar, a estranheza artística “Please Baby Please” é o tipo de objeto de fetiche cinematográfico que deve atrair qualquer um que compartilhe o fascínio particular da diretora Amanda Kramer. Situado em uma Nova York dos anos 1950, onde até os hipsters têm problemas com sexo e gênero, o filme é, de certa forma, uma paródia exagerada da cultura pop de meados do século 20 – e, de maneiras mais profundas, uma explicação de como a moda mais lucrativa, clubes de jazz, poesia beatnik e penteados complicados já deram aos americanos reprimidos uma válvula de escape para seus desejos não expressos.
O filme tem cenários mínimos e quase nenhum enredo. Kramer e seu co-roteirista, Noel David Taylor, concentram-se em recriar a vibração geral dos filmes dos anos 50, capas de álbuns e romances pulp, com a ajuda de alguns diálogos de gíria e performances ferozmente comprometidas para cima e para baixo do elenco. No centro estão Andrea Riseborough e Harry Melling, interpretando Suzie e Arthur, um casal boho que presencia um ataque brutal de uma gangue de rua na cena inicial e fica tão empolgado que começa a repensar o que sempre entendeu sobre violência e masculinidade.
“Please Baby Please” consiste principalmente em Suzie ou Arthur interagindo com outras pessoas hep, testando seus novos pensamentos sobre sexualidade e machismo por meio de conversas carregadas ou encontros físicos. (Demi Moore tem uma participação especial memorável como uma vizinha glamorosa que não quer ser uma “esposa”.) Às vezes, o filme parece uma série de instalações de arte ou mesmo rotinas de dança de vanguarda, abstraindo e estilizando a paixão humana até que parece algo saído de “West Side Story”. A imagem é especialmente adequada para a versátil Riseborough, que contorce seu rosto e voz em algo caricatural amplo e fascinantemente fluido, como se provasse apenas com sua presença física como o gênero pode ser uma construção.
‘Por favor, querida, por favor.’ Não avaliado. 1 hora e 35 minutos. Disponível no Mubi
Danilo Crovetti, à esquerda, e Morgan Saylor no filme “Colher de Açúcar”.
(estremecimento)
‘Colher de Açúcar’
O psicodrama “Colher de Açúcar” é uma versão semipsicodélica de histórias infantis clássicas. É sobre uma babá cujo toque mágico lembra Mary Poppins, embora ela esteja vestida como Chapeuzinho Vermelho e passe o dia com a ajuda de drogas que alteram a mente (como Alice no País das Maravilhas). Dirigido por Mercedes Bryce Morgan a partir de um roteiro de Leah Saint Marie, o filme fica muito atolado em choque por causa do choque em sua meia hora final; mas por um bom trecho é um passeio selvagem e imprevisível.
Morgan Saylor interpreta Millicent, uma órfã que tenta compensar uma infância terrível dando amor a uma criança necessitada: Johnny (Danilo Crovetti), o filho doente e emocionalmente distante da autora de sucesso Rebecca (Kat Foster) e seu marido bonitão, Jacob ( Miko Olivier). Rebecca e Jacob têm seus próprios problemas – eles parecem usar muito do tempo livre que Millicent lhes dá para fazer sexo excêntrico – mas seus problemas não se comparam aos de sua babá, que está microdosando LSD e alucinando todos os tipos de coisas esquisitas.
Não há enredo suficiente em “Spoonful of Sugar” para preencher seu tempo de execução, embora as performances sejam tão vivas e as imagens do diretor Morgan tão vívidas que o filme nunca é monótono. O filme funciona melhor quando faz menos sentido. Os elementos do thriller – envolvendo quem realmente é essa Millicent e do que ela pode ser capaz – são coisas dos filmes da Lifetime. Mas os pesadelos que os cineastas evocam são notáveis, cutucando algumas verdades desconfortáveis sobre o equilíbrio de poder entre os pais, seus filhos e os cuidadores que eles deixam entrar em suas casas.
‘Colher de Açúcar.’ Não avaliado. 1 hora e 34 minutos. Disponível no Shudder
Veera W. Vilo no filme “Free Skate”.
(entretenimento indiano)
‘Skate Livre’
Oportuna de várias maneiras, o drama esportivo “Free Skate” foi escrito e estrelado por Veera W. Vilo como uma patinadora artística de nível olímpico que escapa dos rigores abusivos de um programa russo para recomeçar na Finlândia, terra natal de sua falecida mãe. Enquanto mora com a avó (Leena Uotila), a patinadora — que nunca recebe um nome no filme — tenta recomeçar a carreira, trabalhando com treinadores que respeitam sua contribuição, dão mais folgas e a incentivam a patinar com alegria, não temer. Mas ela não pode abraçar totalmente sua nova liberdade até enfrentar o que aconteceu com ela na Rússia.
Vilo baseou “Free Skate” em parte em suas próprias experiências como ginasta campeã – tanto o que ela testemunhou em primeira mão quanto o que ouviu de outras pessoas – e ela e o diretor Roope Olenius definitivamente se inclinam para o sórdido e o sensacional quando se trata de competições femininas internacionais. Esportes. Eles cobrem a vergonha do corpo e a crueldade mental, bem como a exploração sexual. O drama fica superaquecido às vezes – especialmente no terceiro ato – e os cineastas aparentemente não tinham dinheiro ou elenco para fazer as sequências de patinação parecerem parte de uma competição real de classe mundial. Ainda assim, o filme é visualmente nítido e silenciosamente envolvente, e Olenius e Vilo capturam com sensibilidade o isolamento e a dúvida que podem tornar a vida de um atleta tão solitária.
‘Skate grátis.’ Em finlandês, russo e inglês com legendas. Não avaliado. 1 hora e 59 minutos. Disponível em VOD
‘Transfusão’
O drama policial australiano “Transfusion” é 25% filme de gênero slam-bang e 75% esboço de personagem melancólico – um equilíbrio muito inclinado para o último. Sam Worthington tem uma forte atuação como Ryan Logan, um agente das forças especiais que volta para casa após ser ferido, pouco antes de sua esposa, Justine (Phoebe Tonkin), morrer em um acidente de carro. A história de Ryan recomeça anos depois, quando sua raiva e PTSD tornam difícil para ele manter um emprego, e como seu filho adolescente, Billy (Edward Friday Carmody), está cada vez mais se metendo em problemas. Ryan tenta ganhar o tão necessário dinheiro trabalhando para um velho camarada desonesto (interpretado por Matt Nable, que também escreveu e dirigiu), mas seus problemas vão de mal a pior. Esse enredo é bastante direto, mas Nable o complica demais com uma estrutura narrativa que salta no tempo sem grande efeito. As poucas sequências de ação do filme são boas, mas são muito esparsamente implantadas e sobrecarregadas por muitas cenas lentas de personagens fervendo de autopiedade.
‘Transfusão.’ R, por violência, linguagem em toda parte, consumo de álcool e drogas na adolescência. 1 hora e 46 minutos. Disponível em VOD; também atuando teatralmente, Laemmle Glendale
‘Jardim dos Lobos’
O roteirista e diretor Wayne David almeja um tipo diferente de filme de lobisomem com seu longa-metragem de estreia, “Wolf Garden”, mas embora a tentativa seja admirável – e alguns dos efeitos atmosféricos sejam bons – no geral, o filme parece muito pensado demais. David interpreta William, um homem ansioso que se esconde em uma remota casa de campo, onde frequentemente para para refletir sobre uma época mais feliz com sua namorada, Chantelle (Sian Altman). Enquanto tira um tempo todos os dias para alimentar uma fera raivosa em um galpão próximo, William tem conversas filosóficas sobre sua vida amaldiçoada com um visitante misterioso (Grant Masters) e recebe telefonemas ansiosos de amigos e familiares avisando-o de que seus problemas fizeram o noticias nacionais. O filme espera muito para explicar o que está acontecendo com William – muito depois que a maioria do público já percebeu. Apesar de um bom ambiente, muito de “Wolf Garden” é gasto falando sobre a história, em vez de apenas contá-la.
‘Jardim dos Lobos’. Não avaliado. 1 hora e 29 minutos. Disponível em VOD
‘O Rastejador’
O longa-metragem de estréia do roteirista e diretor Jamie Hooper, “The Creeping”, é um pouco prejudicado por seguir a tendência moderna do thriller sobrenatural de amarrar cada susto e arrepio a algum trauma pessoal profundo. Apesar disso, o filme funciona muito bem, graças ao domínio do estilo de terror retrô de Hooper. Riann Steele interpreta Anna, que retorna à casa assustadora de sua família para ajudar a cuidar de sua avó senil Lucy (Jane Lowe) e tentar obter algumas respostas sobre estranhas experiências que teve lá quando criança. Quando um fantasma começa a atormentá-la, Anna percebe que precisará desenterrar alguns velhos segredos de família para conseguir um pouco de paz. Não é difícil ficar um passo à frente das investigações de Anna, mas tudo bem, porque este filme não é realmente definido por suas reviravoltas. É mais sobre as armadilhas, que Hooper e sua equipe entregam com elegância: as sombras escuras, as cores ricas e os feixes de luz trazendo um brilho misterioso ao ar enevoado.
‘O Rastejador’. Não avaliado. 1 hora e 34 minutos. Disponível em VOD
Também transmitindo
“Divisão na Raiz” examina a política de separação familiar da era Trump do sistema de imigração americano, contando a história de como a situação de uma mãe guatemalteca inspirou uma rede de mães furiosas a agir – não apenas por essa mulher, mas por todas que pudessem alcançar. A diretora Linda Goldstein Knowlton equilibra o exemplo esperançoso desses ativistas com a dura realidade enfrentada pelas famílias que ajudaram, que permaneceram em perigo de prisão e deportação. Disponível na Netflix
Já disponível em DVD e Blu-ray
“O massacre da Serra Elétrica do Texas” é um dos filmes de terror mais aterrorizantes e influentes da década de 1970, trazendo uma astúcia sutil à história de mau gosto de hippies desgrenhados que se cruzam com uma família de canibais. A nova edição 4K UHD inclui quatro faixas de comentários e horas de material dos bastidores, cobrindo as origens deste projeto e explicando por que, mesmo agora, este filme splatter com um título chocante é tão amado. Céu escuro
.
