.
‘Quatro Chamuças’
Situada na Little India de Artesia, a comédia de assalto “Four Samosas” segue a orgulhosa tradição do cinema independente americano de comunidades sub-representadas, usando humor, convenções de gênero e talento estilístico para conquistar um público mais amplo – ao mesmo tempo em que compartilha um pouco do que faz seu próprio canto do especial do país. Escrito e dirigido pelo veterano ator Ravi Kapoor (que já fez a comédia de 2015 “Miss India America”), o filme atinge seu ritmo na metade de seu tempo de execução antes de estalar no trecho. Mas na maioria das vezes é bem ágil.
Venk Potula interpreta Vinny, um aspirante a rapper que fica tão incomodado com o noivado de sua ex-namorada com um rico esnobe (Karan Soni) que monta uma equipe para roubar o dote de sua ex de um supermercado do pai dela. Grande parte da primeira metade de “Four Samosas” apresenta os ecléticos cúmplices e inimigos de Vinny em pequenas vinhetas peculiares, filmadas em cores pastéis com enquadramento preciso – altamente reminiscente de Wes Anderson. Conhecemos o fã de Bollywood, o intenso gênio científico, o bando de reacionários culturais, os cosplayers do folclore indiano e assim por diante.
Pós-assalto, o filme gira suas rodas, lutando para seguir em frente com personagens destinados a representar, em traços gerais, aspectos da experiência índio-americana. (Ao contrário dos filmes de Wes Anderson, os contornos dos desenhos animados nunca recebem o sombreamento necessário para adicionar profundidade.) Mas o amor de Kapoor por esses excêntricos e seus arredores é sempre contagiante. O enredo pode acabar sem gás, mas “Quatro Chamuças” nunca deixa de ser simpático.
“Quatro samuças.” PG-13, por alguma linguagem e um gesto rude. 1 hora e 20 minutos. Disponível em VOD; também atuando teatralmente, Laemmle Noho 7, North Hollywood; Harkins Cerritos
‘Uma Corça Ferida’
Na curta carreira de Travis Stevens como roteirista e diretor (“Girl on the Third Floor”, “Jakob’s Wife”) e em sua longa carreira como produtor (“Cheap Thrills”, “We Are Still Here”), seu nome no Os créditos de um filme de terror geralmente são um sinal de algo especial. Isso é verdade mais uma vez com seu terceiro longa-metragem, “A Wounded Fawn”, um thriller de assassino em série marcado por fortes atuações, um enredo sinuoso e atraentes fotografias de 16 mm. Ao longo, Stevens e seus colaboradores – incluindo o co-roteirista Nathan Faudree, o diretor de fotografia Ksusha Genenfeld e o designer de som/compositor Vaaal – pegam ideias e imagens familiares e dão a elas um novo pop.
É difícil dizer muito sobre “A Wounded Fawn” sem estragar suas surpresas; mas a história é principalmente sobre Bruce (Josh Ruben), um cara aparentemente legal movido por impulsos demoníacos para destruir mulheres bonitas. Quando Bruce fica muito perto de um poderoso e antigo artefato grego, ele enfrenta um julgamento divino – que, se nada mais, arruína o fim de semana romântico que ele planejou com sua próxima vítima em potencial, Meredith (Sarah Lind).
Grande parte do último terço de “A Wounded Fawn” é um pesadelo surreal, carregado de metáforas, que pode afastar aqueles que estão gostando da seção intermediária mais rigidamente controlada do filme, que consiste no jantar cada vez mais irritado de Bruce e Meredith. Mas o filme é realmente uma peça única na maneira como brinca com as expectativas, mantendo os espectadores desequilibrados. Stevens e companhia colocam o público no lugar do predador e da presa. Eles construíram uma pequena e inteligente máquina geradora de ansiedade.
‘Um cervo ferido.’ Não avaliado. 1 hora e 31 minutos. Disponível no Shudder
‘Parentes de sangue’
Há uma frouxidão atraente em “Blood Relatives” do escritor, diretor e astro Noah Segan, uma comédia dramática sobre vampiros sobre uma criatura morta-viva centenária que descobre que tem uma filha meio-humana adolescente. Segan interpreta o monstro de natureza doce, Francis, um judeu europeu que se esgueirou para a América após a Segunda Guerra Mundial e vive como um nômade solitário desde então. Victoria Moroles interpreta Jane, que procura seu pai na esperança de descobrir por que ela não pode sair ao sol sem passar loção.
Segan não constrói muito enredo para seus dois heróis sugadores de sangue. O filme se parece com alguns episódios de uma sitcom de TV a cabo, enquanto Francis e Jane vivem aventuras pela América: em um motel descolado, em uma triste cidade agrícola, em um hospital e, finalmente, na Califórnia, onde papai tenta se estabelecer para dar sua criança uma chance de terminar a escola.
Mas a falta de urgência para “Parentes de Sangue” é, no geral, mais um ponto de venda do que um risco. Segan não força nada. Ele pega cada situação e imagina o que pode acontecer de forma realista – e então o que pode acontecer a seguir. Ele constrói um mundo que parece real e o ancora com um relacionamento tão saudável que é fácil ver por que um vampiro solitário derrubaria toda a sua existência para preservá-lo.
‘Parentes de sangue.’ Não avaliado. 1 hora e 28 minutos. Disponível no Shudder
Lee Jung-jae no filme “Hunt”.
(Liberação magnética)
‘Caçar’
O material publicitário do thriller político sul-coreano “Hunt” deixa claro que, embora o filme seja ficcional, ele está enraizado na história real, com relevância contemporânea. Na verdade, é isso que dá força ao filme do diretor-estrela Lee Jung-jae. Mesmo quando esse conto de conspirações de assassinato e rixas entre agências de aplicação da lei começa a parecer complicado – e é inegavelmente complicado – seu verdadeiro significado permanece claro.
O astro de “Squid Game” Lee faz sua estreia como diretor e interpreta Park Pyong-ho, chefe da Unidade Estrangeira da Agência Central de Inteligência da Coreia. Jung Woo-sung interpreta Kim Jung-do, chefe da Unidade Doméstica da KCIA. Quando o governo descobre uma conspiração para assassinar o presidente da Coreia do Sul – e o envolvimento relatado de um espião norte-coreano infiltrado no KCIA – as duas unidades acabam investigando a toupeira separadamente, porque nenhuma confia totalmente na outra.
“Hunt” se passa na década de 1980, numa época em que a Coreia do Sul era mais autoritária. Entre todas as perseguições e explosões bem encenadas, Lee concentra muita atenção na paranóia da época, já que alguns cidadãos se examinam constantemente, procurando se proteger sacrificando seus vizinhos. “Hunt” funciona bem como um filme de ação slam-bang; mas no fundo é mais um conto preventivo.
‘Caçar.’ Em coreano com legendas em inglês. Não avaliado. 2 horas, 5 minutos. Disponível em VOD; também tocando teatralmente, Alamo Drafthouse Cinema, no centro de Los Angeles; CGV Cinemas Buena Park
‘Traço’
A comédia dramática do roteirista e diretor Sean Perry, “Dash”, é um dos muitos filmes feitos nos últimos anos que acompanham as aventuras às vezes estranhas, às vezes engraçadas e muitas vezes chocantes de motoristas de caronas compartilhadas. “Dash” foi filmado em uma única tomada, cobrindo mais de 90 minutos agitados da vida de Milly (Alexander Molina), um traficante infeliz que faz malabarismos com uma esposa e várias namoradas. Nesta noite, Milly começa seu esquema mais idiota de “isso vai consertar tudo”, pegando um saco de pó branco de uma de suas amantes e se tornando um traficante amador.
Perry estrutura “Dash” como uma série de esboços estendidos, alguns dos quais são mais divertidos do que outros. Os personagens que reservam passeios com Milly se enquadram em “tipos” amplos, como turistas patetas, um irmão machão e dois caras da Geração Z; e seu diálogo geralmente soa mais rígido e “escritoral” do que inteligente. Mas Molina faz uma boa atuação como a desprezível Milly. Ele e Perry estão tentando enfiar uma agulha estreita, transformando um idiota egoísta e míope em um anti-herói tragicômico. E embora o filme deles possa não ser tão original – na verdade, ele tem algumas homenagens flagrantes a Quentin Tarantino que beiram o roubo – é estranhamente absorvente ver todos os erros que Milly já cometeu se acumulando em uma enorme catástrofe.
‘Traço.’ Não avaliado. 1 hora e 46 minutos. Disponível em VOD
‘Dio: Sonhadores Nunca Morrem’
Na época em que Ronnie James Dio lançou sua banda de heavy metal que vendia platina, Dio, no início dos anos 1980, ele já estava na casa dos 40 anos e havia sido o vocalista de meia dúzia de turnês e gravações, desde o final dos anos 1950. Com uma voz variando entre o canto, o blues e a ópera, Dio era capaz de cantar qualquer tipo de rock ‘n’ roll. Mas ele próprio gostava de contos épicos de heróis e vilões, inspirados por mitos antigos, música clássica e bombásticas que enchia a arena.
Dio morreu de câncer em 2010, aos 67 anos, o que significa que o documentário de Don Argott e Demian Fenton “Dio: Dreamers Never Die” está perdendo sua perspectiva sobre sua longa e às vezes tumultuada carreira – além de sua voz em algumas entrevistas antigas. Mas Argott e Fenton têm informações de muitos, muitos companheiros de banda de Dio, bem como de sua esposa Wendy (uma produtora do filme) e fãs famosos como Jack Black, Rob Halford e Sebastian Bach. Adicione alguns clipes vintage e recriações dramáticas de aparência legal – filmadas para parecer filmes caseiros antigos desbotados – e “Dreamers Never Die” se torna um olhar honesto, evocativo e às vezes visceralmente emocionante para um dos mais inebriantes e criativos do heavy metal. eras.
‘Dio: Sonhadores Nunca Morrem.’ Não avaliado. 2 horas, 7 minutos. Disponível no Showtime Anytime
Também em VOD
“Minha assim chamada classificação do ensino médio” é um documentário que faz uma abordagem incomum ao tema do viés cultural nas admissões universitárias. Os diretores Ricki Stern e Annie Sundberg seguem a crescente popularidade de uma nova produção de teatro musical chamada “Ranked”, apresentando canções e histórias sobre a pressão acadêmica sobre os adolescentes americanos; e enquanto verificam os ensaios em escolas de todo o país, eles ouvem das próprias crianças sobre os obstáculos que precisam superar hoje em dia para entrar em uma universidade de primeira linha. Disponível no HBO Max
Já disponível em DVD e Blu-ray
“Vozes da Ucrânia” reúne quatro filmes da última década – “Bad Roads”, “Donbass”, “Reflection” e “The Earth Is Blue As An Orange” – que retratam a vida na Ucrânia, na fronteira com a Rússia, antes da recente invasão em grande escala. Os filmes oferecem um documento esclarecedor, engenhoso e muitas vezes surpreendentemente espirituoso de quão perigosa era a situação entre os dois países, antes de seu conflito chamar a atenção do mundo inteiro. movimento de filme
.
