Telluride, Colorado —
Quando Cate Blanchett subiu ao palco no sábado à noite para seu tributo ao Festival de Cinema de Telluride, logo após a exibição de seu surpreendente novo filme, “Tár”, o público deve ter gostado de uma risada. A maioria do público que recebe uma sessão de perguntas e respostas pós-exibição com Blanchett – e provavelmente haverá alguns nos próximos meses – se encontrará em uma posição semelhante. Em “Tár”, Blanchett interpreta uma maestrina clássica de renome mundial chamada Lydia Tár, e uma de suas primeiras cenas é uma longa, fascinante e reveladora conversa com o escritor nova-iorquino Adam Gopnik (interpretando a si mesmo), realizada diante de uma platéia ao vivo. .
É uma sequência instantaneamente cativante, destemida em seu rigor musical e intelectual, que nos conecta ao funcionamento da mente formidável de Lydia. Bebemos em sua elegância de terno preto e sentimos sua cautela inicial, embora qualquer ansiedade logo se desfaça quando Lydia, tão segura de oradora quanto maestro, começa a falar sobre sua arte, seu amor por Mahler e Bernstein e suas experiências estudando, tocando e regendo música em todo o mundo. Suas sinapses disparam como loucas e suas mãos saltam para a vida inventiva enquanto ela descreve seu papel em não apenas manter, mas criar o tempo, moldá-lo e esculpi-lo com um nível de imaginação que o público detectará apenas como uma peça musical sublime.
“Tár”, o terceiro e melhor longa dirigido por Todd Field (“In the Bedroom”, “Little Children”), mantém seu próprio tempo lindamente. O filme tem duas horas e 38 minutos hipnotizantes; Eu não queria que isso acabasse. É a história de um monstro magnífico e sua queda muito pública, mas o que torna essa queda tão persuasiva é que ela acontece tão gradualmente e brota de algumas raízes tão silenciosamente íntimas. A história prossegue em movimentos cuidadosamente orquestrados, por assim dizer, e cada um desses movimentos nos leva um pouco mais fundo no canto altamente influente e rigidamente hierárquico de Lydia no mundo da música.
Esse mundo abrange Nova York, onde leciona na Juilliard, e Berlim, onde atua como maestro titular da Filarmônica de Berlim. É lá também que ela faz uma espécie de lar com sua parceira, Sharon (Nina Hoss), ela mesma uma violinista talentosa, e sua filha. “Tár” pode ser uma obra de ficção, mas tudo nele soa meticulosamente verdadeiro, desde os músicos impecavelmente escalados que tocam na orquestra de Lydia até as paixões ilícitas e rivalidades ocultas que só ela tem o poder e a crueldade de nutrir.
Cate Blanchett no filme “Tár.”
(Focus Features)
Este é o primeiro filme de Field em 16 anos (e seu primeiro roteiro original, após duas adaptações), e ele desencadeia o que parece ser quase uma década vale a pena observações reprimidas e afiadas sobre a política do mundo da arte, as tensões da academia, o debate sobre a cultura do cancelamento, os acertos de contas do #MeToo e, em uma nota não relacionada, a ascendência das mulheres no mundo criativo e espaços profissionais há muito dominados por homens brancos. E neste espaço, Lydia se recusa – de forma arrogante, enlouquecedora e às vezes heroicamente – a se curvar ao que ela vê como ortodoxias liberais predominantes. Aclamada como a primeira mulher a reger uma das maiores orquestras do mundo, ela, no entanto, descarta a desigualdade de gênero como um impedimento significativo para seu sucesso. E em uma das cenas mais friamente eletrizantes do filme, ela repreende vigorosamente um estudante do BIPOC que discorda de Bach e outros aclamados compositores brancos, defendendo o cânone com uma ferocidade reacionária que, no entanto, está impregnada de uma profunda compreensão da música.
Essa cena e outras levantam a sempre familiar questão de saber se se pode ou se deve separar a arte do artista – uma questão que carrega particular relevância para Lydia, cujo hábito de dormir com seus alunos está se tornando um segredo cada vez mais aberto. Quero dizer como o maior elogio quando digo que a própria Lydia Tár não se separa tão facilmente do artista que a interpreta, no sentido – e apenas no sentido – de que estamos vendo um gênio encarnar outro. Correndo o risco de ceder a mais metáforas musicais, seu trabalho aqui parece genuinamente, incrivelmente sinfônico em seu arranjo de componentes. Para interpretar Lydia, Blanchett aprendeu a falar alemão, tocar piano e reger música, mas o brilho de seu trabalho vai além das convenções de estudo, prática e pesquisa. É preciso um ator que possa parecer, como Blanchett, um orquestrador talentoso e um instrumento afinado ao mesmo tempo.
“Tár”, que a Focus Features lançará em 7 de outubro nos cinemas, chegou a Telluride em uma onda de aclamação da crítica que começou na semana passada no Festival Internacional de Cinema de Veneza, onde Blanchett desempenho foi imediatamente apontado como um dos primeiros candidatos a um Oscar. Ambos os festivais, juntamente com o próximo Festival Internacional de Cinema de Toronto, têm sido plataformas de lançamento confiáveis e cobiçadas para futuras performances premiadas. A própria Telluride cunhou alguns vencedores recentes do Oscar, incluindo Gary Oldman (“Darkest Hour”), Renée Zellweger (“Judy”) e – falando em separar a arte do artista – Will Smith (“King Richard”).
A máquina de comentaristas do Oscar estava previsivelmente a todo vapor após a estreia mundial em Telluride de “Império da Luz”, uma falha de ignição bem interpretada do diretor Sam Mendes (“1917”, “Beleza Americana” ). A maior parte da empolgação gira em torno da muito elogiada Olivia Colman por sua atuação como Hilary, uma mulher solitária e depressiva que trabalha como gerente de plantão em um cinema na cidade litorânea inglesa de Margate. A história abrange o início da década de 1980 – “The Blues Brothers”, “Stir Crazy”, “Being There”, “Chariots of Fire” e “Raging Bull” irão enfeitar a marquise em algum momento – e centra-se no romance de Hilary com um novo funcionário, Stephen (um bom Micheal Ward). A relação deles é apresentada, facilmente, como um vínculo entre dois indivíduos que estão ambos fora de sintonia com seus arredores: Hilary por razões que logo ficarão claras, e Stephen porque ele é um homem negro vivendo em uma cidade, país e momento profundamente racistas.
Micheal Ward e Olivia Colman no filme “Império da Luz.”
(Imagens do holofote)
Os dois protagonistas são apoiados por um elenco de apoio que inclui Colin Firth, Tanya Moodie, Tom Brooke e, como projecionista veterano do teatro, um Toby Jones muito bom. Mas todos eles são decepcionados em graus variados por um roteiro cujas muitas partes se juntam como óleo e água e refrigerante de balcão. Esta é uma história sobre trauma mental reprimido e violência racista se espalhando, questões que Mendes varreu ordenadamente para debaixo do tapete de uma grandiosa carta de amor ao cinema e também aos cinemas. O diretor, fazendo sua estreia como roteirista solo, descreveu este filme como seu trabalho mais pessoal, que nasceu da pandemia e seu desespero por não poder se reunir com outras pessoas em espaços públicos, incluindo cinemas.
Sou tão suscetível quanto qualquer um à nostalgia sentimental sobre minha forma de arte favorita e seus locais públicos ameaçados. (“Empire of Light”, um lançamento da Searchlight Pictures, chegará aos cinemas em 9 de dezembro.) Dito isso, meu próprio gosto vai para filmes que não tratam a violência antinegra como um veículo para a libertação emocional e psicológica de uma mulher branca – uma reviravolta narrativa que é francamente um insulto grosseiro para ambos os personagens. E enquanto Colman desfaz as camadas de tristeza e raiva de Hilary com toda a ferocidade e sutileza que você esperaria de um ator de seu calibre, mesmo ela não consegue vender o pivô alegremente radiante exigido dela em uma sequência interminável em que “Império de Light” essencialmente se torna o equivalente dos anos 80 do comercial da AMC de Nicole Kidman. não precisa, de fato, de cartas de amor mais ostensivas para o cinema. Um bom filme que respeita a inteligência do público é carta de amor suficiente.
