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O Ojai Festival deste ano começou na noite de quinta-feira com uma homenagem a Kaija Saariaho, o compositor finlandês que morreu no início deste mês. Para Ojai, Steven Schick executou uma peça de percussão etérea inspirada no jardim de musgo do templo Saiho-ji de Kyoto, que é o lugar mais verde que já visitei. O cheiro de musgo avassalador de Saiho gera uma sensação maravilhosa de paz, e a miniatura de Saariaho, o quinto movimento de seus “Seis Jardins Japoneses”, captura isso magicamente, mesmo quando experimentado, como eu, através da transmissão ao vivo do festival.
Exatamente no mesmo momento, a amiga de longa data de Saariaho, Esa-Pekka Salonen, regeu a San Francisco Symphony em uma apresentação de sua segunda ópera com tema de guerra, “Adriana Mater”. A estréia em Paris há 17 anos foi um choque. “Adriana” examina a forma como a guerra arrebata o amor e os sacrifícios necessários para manter a equanimidade. Saariaho não nos diz o que é a guerra, mas o que ela significa.
Houve uma enorme manifestação de amor por Saariaho ao saber de sua morte aos 70 anos de glioblastoma. Os compositores são admirados; eles são reverenciados; eles nos irritam, deixando-nos com sons que permanecem em nossa consciência; o melhor pode parecer essencial ao nosso próprio ser. Mas amado? Isso é raro.
Saariaho foi todos os itens acima. Sua música informou aspectos da música européia, americana e asiática, e ela está sendo bem e devidamente elogiada. Junto com suas principais contribuições para a ópera do século 21, ela nos deixa com um amplo conjunto de peças solo (ela tinha um talento especial para flauta, violino, violoncelo e voz), obras de câmara e partituras orquestrais. Ela freqüentemente empregava eletrônicos para aprimorar a aura sônica. O adjetivo mais comumente usado para descrever sua música (e ela) é luminoso – nenhum outro serve.
Como membro da geração de compositores e intérpretes finlandeses que estourou no cenário musical mundial na década de 1980, Saariaho, junto com Salonen e Magnus Lindberg, formou um trio inseparável de compositores incendiários quando estudantes da Academia Sibelius em Helsinque. Eles e seus amigos criaram o coletivo rebelde Korvat Auki (Ears Open!) para promover – e às vezes forçar um público desavisado – as formas mais avançadas de música rigorosamente concebida. Se a música não era difícil, não valia a pena para eles.
Havia obstáculos específicos para Saariaho. Ela nunca gostou de ser chamada de compositora pioneira, porque achava que fazer a distinção era, em si, humilhante. Mas a Finlândia não tinha compositoras notáveis que pudessem servir de modelo, e a música eletrônica era vista como um domínio masculino. “Quem ouviria a música de Saariaho”, escreveu o principal crítico musical da Finlândia, Seppo Heikinheimo, em 1990, “se ela fosse uma mulher feia?” Era contra isso que ela estava lutando.
Atraído pelo IRCAM, o estúdio de música por computador que Pierre Boulez criou para o Centre Pompidou, Saariaho acabou por se instalar em Paris. Uma nova geração de compositores no IRCAM começou a empregar computadores para criar uma linguagem harmônica feita a partir dos tons harmônicos de tons que eles apelidaram de música espectral. Foi o próximo passo lógico para a música francesa após o impressionismo de Debussy e Ravel, seguido pelo pós-serialismo de Boulez.
Mas enquanto Saariaho costumava definir sua música vocal para textos em francês, ela gostava de se descrever como uma finlandesa na França. Um estranho. Ela se colocou em sua música, mas como observadora. O resultado foi um trabalho que parecia objetivo, mas permaneceu íntimo. Ou é o contrário? Em ambos os casos, nos vemos através de seus ouvidos.
O que chamou menos atenção é o papel que nossa Costa Oeste desempenhou em tudo isso. No final dos anos 1980, Saariaho passou um ano lecionando na Universidade da Califórnia em San Diego. Ela estava, de certo modo, voltando à fonte. O programa de música para computador da universidade, junto com o inovador da Universidade de Stanford, foi o modelo de Boulez para o IRCAM.
O organista francês Olivier Latry, à direita, aplaude o compositor Kaija Saariaho depois que ele cantou “Maan Varjot” com a Filarmônica de Los Angeles liderada por Esa-Pekka Salonen no Walt Disney Concert Hall em 2014.
(Barbara Davidson / Los Angeles Times)
Depois que Salonen se tornou diretor musical da Filarmônica de Los Angeles em 1992, ele programou Saariaho regularmente, tocando e estreando obras tanto na série regular de concertos da orquestra quanto na nova música Green Umbrella. Isso rapidamente permitiu sua introdução a Peter Sellars, que a guiou para a ópera, começando com “L’Amour de Loin” (“Love From Afar”), que Sellars dirigiu e que se tornou a obra mais conhecida de Saariaho. Sua estreia no Festival de Salzburgo de 2000 parecia quase LA de longe. O maestro era Kent Nagano, outro californiano que acabara de ser nomeado o primeiro diretor musical da Ópera de Los Angeles. O financiamento veio da filantropa de Beverly Hills, Betty Freeman.
Em “L’Amour”, como muito do trabalho de Saariaho, a música ressoa em todos os sentidos significativos da palavra. Ressoa como as vibrações do som físico puro, seja da voz humana, dos instrumentos ou dos sons produzidos pela eletrônica. Ele ressoa como a essência interior da alma. Ele ressoa como as ondas de luz do universo misterioso, seus espectros de cores visíveis e invisíveis.
A compositora Kaija Saariaho com o maestro Gustavo Dudamel, à esquerda, e o barítono Gerald Finley após a estreia mundial de “True Fire” de Saariaho no Walt Disney Concert Hall em 2015.
(Lawrence K. Ho / Los Angeles Times)
Aquele era Saariaho. Em suas visitas aqui nos últimos 35 anos, ela invariavelmente deixou para trás pedaços de sua luminescência. Ainda assim, ajudamos a fortalecer esse brilho. Ela se inspirou consideravelmente no trabalho com nossos solistas e conjuntos, assim como no ambiente físico, na espiritualidade do SoCal e em nossa tecnologia. O LA Phil e o Walt Disney Concert Hall eram outro lar.
A colaboração Sellars/Saariaho continuou com um trabalho extraordinário após o outro, não havia dois iguais. Em 2016, ano em que Sellars atuou como diretor musical do Ojai Festival, ele fez de Saariaho o compositor de destaque. Suas relações com artistas de Los Angeles como a pianista Gloria Cheng, o violinista Movses Pogossian e o Calder Quartet levaram a gravações transcendentes de suas obras, colocando-as em contextos mais amplos de compositores que vão de Bach a Messiaen.
A última aparição pública de Saariaho foi pouco antes de sua morte para a estréia no Reino Unido de sua triunfante ópera final, “Innocence”, que chegará à San Francisco Opera no próximo ano. Logo depois de terminá-lo, em 2019, ela veio à Disney para a apresentação de seu novo concerto de harpa, “Trans”. Nessa viagem, ela visitou a UCSD, e a viagem na rodovia 5 entre La Jolla e LA inspirou uma de suas últimas grandes obras orquestrais, “Vista”, assim como uma viagem a Kyoto 30 anos atrás levou a “Seis Jardins Japoneses. ”
Japão e Los Angeles permaneceram muito aliados em Saariaho. Em 2015, Saariaho e Sellars colaboraram em “Only the Sound Remains”, uma ópera absolutamente brilhante baseada em peças Nôh. A estreia nos Estados Unidos havia sido marcada para Ojai, mas devido à complexidade da eletrônica, não havia um local onde funcionaria.
Ainda assim, para nós, o som Saariaho permanece muito. Ela domou o computador e, no que parece ser um momento cósmico na interação entre a humanidade e a tecnologia, ela é mais importante do que nunca. Com a sua música e as suas máquinas e a sua luminosidade, Saariaho lembra-nos do que está em jogo.
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