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Você pode fazer um curso intensivo sobre o trabalho de Nick Hornby em uma caminhada de uma hora por Londres. O artista tem três esculturas permanentes instaladas pela cidade, silhuetas metálicas que começam familiares, mas se transformam dependendo do ponto de vista. Em St. James, seu cavalo conquistador, inspirado em Ricardo I, torna-se um rabisco amorfo conforme você circula; enquanto estava em Kensington, sua opinião sobre Caspar David Friedrich Andarilho torna-se abstrato; e um busto de Nefertiti também funciona como Albert Memorial.
Levantando questões sobre o poder e o papel do monumento, o trio é uma combinação inteligente de arte e conceito. Eles também são feitos de inovação digital. O hipismo, por exemplo, começou como um modelo digital escrito em Python. Em seguida, foi desenrolado em componentes individuais para serem cortados a laser em metal e depois montados pelos fabricantes. “Foi uma relação adorável e perfeita entre conceito, processos digitais e fabricação mecânica – 165 peças manipuladas no objeto de seis toneladas e meia”, diz Hornby em seu estúdio no noroeste de Londres. “Mas quando as pessoas olham para isso, elas não veem nada disso.”
“Gosto de pensar que uma das características distintivas do meu trabalho é a ambição de captar a imaginação de qualquer pessoa, não se limitando ao mundo da arte; tentar abordar ideias complicadas em inglês simples. Qualquer um reconhecerá o tropo do homem no cavalo e terá uma reação à forma como eu o manipulei.”
Esse tipo de magia técnico-conceitual é o cartão de visita de Hornby. Privilegiando a tela em vez do bloco de desenho, ele usa modelagem 3D como base para esculturas abstratas que fazem referência ao cânone da história da arte e desafiam noções de autoria – mashups contorcidos de obras de Hepworth, Brancusi, Rodin e muito mais; o perfil de Michelangelo Davi extrudado em um único ponto, legível apenas de cima.
Ele começou jovem, criando figuras de terracota em tamanho real na escola, enquanto seus colegas trabalhavam em potes mais simples. “Mas então eu fui para a escola de artes e pensei, eu não queria fazer pastiche de Rodin. Eu queria fazer parte do futuro. Eu queria ser inovador”, diz ele. “Então, agarrei-me à tecnologia.”
Na Slade School of Fine Art, em Londres, onde se matriculou no final da década de 1990, Hornby prosperou no novo. Houve incursões no vídeo; um semestre no Art Institute of Chicago, onde se juntou ao coletivo artista-hacker Radical Software/Critical Artware; e experimentos musicais com MAX MSP, a linguagem de programação orientada a objetos empregada pelo Radiohead no início dos anos 2000. Mas foi só depois de fazer mestrado, aos trinta anos, que sua carreira tomou a forma atual.
“Na verdade, tive uma mudança radical em meu relacionamento com a tecnologia”, diz ele. “Fiquei bastante frustrado com as pessoas dizendo: ‘Uau, isso é muito legal. Como você fez isso?’ porque acho essa pergunta muito chata. Estou muito mais interessado na questão: ‘O que isso significa?’” Assim, ao longo da última década, Hornby eliminou “qualquer forma de subjetividade humana”, diz ele. Os fios e telas foram obscurecidos, as arestas apagadas com precisão do laser. É ainda melhor suscitar questões de substância e não de processo.
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