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No final de “Cat Person”, o novo filme muito falado sobre adaptado do conto de Kristen Roupenian de 2017 com o mesmo título, uma mensagem de texto feia de uma palavra aparece em um close surpreendente que preenche a tela. Você saberá qual é a palavra se tiver lido a história, e há uma boa chance de que você tenha, já que é uma das peças de ficção mais amplamente divulgadas e ferozmente debatidas publicadas pelo New Yorker na memória recente.
Ainda assim, a julgar pelos suspiros que receberam essa palavra na estréia do filme no Festival de Cinema de Sundance no sábado à noite, havia claramente muitos na platéia que não o fizeram. Presumivelmente, eles também não sabiam que a palavra também é a última palavra da história de Roupenian, que, ao contrário do filme, não evolui para uma confusão sangrenta, ardente e espetacularmente violenta.
Não se preocupe, não acabei de arruinar “Cat Person” para você. De certa forma, seria apropriado se eu fizesse, já que o filme, dirigido por Susanna Fogel (“The Spy Who Dumped Me”) a partir de um roteiro de Michelle Ashford, mais ou menos arruína a história. Não sou purista quando se trata de adaptações; minha regra geral é que quanto mais liberdades irreverentes um filme tomar com seu material de origem, melhor. Mas não há nada melhor sobre essa “Pessoa Gato”, que grosseira, achata e superelabora torturantemente uma história cuja elegante concisão foi precisamente o que a tornou uma forragem interpretativa tão rica e elástica.
A história de Roupenian era um relato intensamente relacionável de um romance imprudente ou uma consideração escorregadia do diferencial de poder inconstante entre um homem mais velho e uma mulher mais jovem? Um conto de advertência sobre os perigos do namoro moderno, a maldade da tecnologia ou a ambigüidade do consentimento? Um encapsulamento perfeito do ponto de vista de uma mulher ou um exercício mesquinho de envergonhar a gordura?
Os cineastas pelo menos tentaram antecipar a última acusação: Robert, corpulento na página, é interpretado aqui pelo muito alto e esguio Nicholas Braun (“Succession”), que de outra forma projeta a mistura estranha necessária do personagem de severidade e sensibilidade, doçura e schlubbiness.
Essas qualidades são o que estranhamente o torna querido por Margot (Emilia Jones), uma estudante universitária de 20 anos que trabalha na barraca de concessão de um cinema que Robert visita com frequência. E assim começa (e logo termina) um relacionamento que – avançando rapidamente de longas e animadas cadeias de texto para um encontro estranho e uma noite de sexo épicamente ruim, pelo menos para Margot – serve como um lembrete oportuno do abismo às vezes escancarado entre quem nós somos. pensam que podemos estar namorando e quem eles realmente são.
Geraldine Viswanathan e Emilia Jones no filme “Cat Person”.
(Instituto Sundance)
Tudo isso está na tela, mais ou menos, mais referências a Harrison Ford, um cachorro assustador, várias sequências obtusas de fantasia/alucinação e alguns comentários deliciosamente contundentes sobre hábitos de acasalamento de insetos fornecidos por uma professora (Isabella Rossellini) que eu imediatamente quis seguir em um filme próprio (“Ant Person”, naturalmente). Geraldine Viswanathan (“Blockers”) também é muito boa como a melhor amiga opinativa que percebe cedo e com frequência que esse relacionamento claramente não é muito bom e que não é menos irritante por estar absolutamente correto.
Em suma, você não pode culpar os atores de “Cat Person”, muito menos Jones, que é totalmente crível e empático aqui como uma jovem que pode ser cortante e vulnerável, cínica e ingênua. (A maneira mais divertida de abordar “Cat Person” é vê-lo como uma sequência de universo paralelo do arco de saída da faculdade de Jones em “CODA”.)
Mas você pode facilmente criticar algumas das escolhas narrativas mais contundentes de Fogel e Ashford, incluindo as maneiras que eles escolheram para visualizar a vida de fantasia ativa de sua heroína. De novo e de novo, e de maneiras que não são tão assustadoras nem tão engraçadas quanto o pretendido, Margot imagina o pior cenário (ou seja, Robert se lançando violentamente contra ela em uma câmara escura trancada) muito antes do pior cenário real acontecer.
O filme é muito melhor quando simplesmente permite que seus medos se manifestem, sem nenhuma anotação cômica fofa: a cena em que Robert beija Margot por aparentemente minutos a fio, seus lábios sugando em algum lugar nas proximidades de sua boca e nariz, é um dos poucos onde você pode ver o que essa “Pessoa Gato” poderia ter sido em mãos mais cinematográficas e confiantes.
Muito mais desajeitada é a inevitável cena de sexo ruim, uma espécie de experiência fora do corpo em que Margot e seu próprio sósia de revirar os olhos narram o que está sendo feito com ela em tempo real, momento a momento terrível e assustador. Nessa sequência e em outras, “Cat Person” trabalha para abrir o material que simplesmente não quer ser aberto – que prospera em um nível de subjetividade e em uma ambiguidade sustentada de intenção e detalhe, que os filmes sempre foram. pressionado para replicar.
Nada disso sugere que a história de Roupenian não seja filtrável, apenas que não foi bem filmada. No que diz respeito às propriedades quentes, a história foi claramente aproveitada por seu reconhecimento de título e prestígio viral, mas também com consideração aparentemente mínima de por que clamava para ser transformada em filme – muito menos o filme de gênero violento em que se desvia abruptamente em seu ato final.
Anne Hathaway e Thomasin McKenzie no filme “Eileen”.
(Instituto Sundance)
Essa guinada visa aumentar as perspectivas comerciais de “Cat Person” em uma indústria onde o terror é um dos poucos gêneros que ainda pode gerar lucro de forma confiável? Ou para literalizar a noção de que, duh, os relacionamentos podem ser assustadores?
Se assim for, uma demonstração muito mais eficaz desse princípio poderia ser encontrada em “Eileen”, de William Oldroyd, que estreou imediatamente antes de “Cat Person”, no mesmo local, por razões que só posso suspeitar que deram uma risada aos programadores do festival. . Pois “Eileen” – embora ambientado na neve de 1964 em Massachusetts e centrado no vínculo que se forma entre duas mulheres – também é muito sobre a sedução das aparências e a emoção e decepção de novos relacionamentos. E não menos que “Cat Person”, é o retrato de uma jovem mulher negociando sentimentos complexos e muitas vezes contraditórios e muitas vezes prevendo o resultado mais violento para qualquer situação.
Sentimentos de qualquer tipo, além da depressão e raiva cotidianas, parecem terrivelmente escassos na comunidade onde Eileen, de olhos tristes e sexualmente frustrada (um excelente Thomasin McKenzie), vive com seu pai alcoólatra e alcoólatra (Shea Whigham) e trabalha em uma prisão de meninos. É lá que ela estabelece um relacionamento com a nova psicóloga da prisão, Rebecca (Anne Hathaway, deslumbrante), cuja impossível sofisticação e glamour se destacam neste ambiente sombrio e que, ao chegar, imediatamente fixa em Eileen um sorriso conspiratório. Enquanto Rebecca cuida de Eileen, conversando sobre trabalho e levando-a para beber e dançar, você pode se perguntar se está assistindo à versão de Oldroyd de “Carol” – não apenas por causa das insinuações de desejo lésbico, mas também por causa do vibrações inconfundíveis de Patricia Highsmithian no trabalho. E então a história faz sua mudança repentina e angustiante para – bem, dizer mais sobre isso seria injusto.
Mas falando em injusto: “Eileen” se beneficia do fato de eu não ter lido o romance de Ottessa Moshfegh de 2015 no qual é baseado, ao contrário de “Cat Person”, que foi adaptado de uma história curta e infinitamente examinada que li em avançar? Quanto disso tem a ver com o cinema, bom ou ruim, e quanto tem a ver com as próprias expectativas?
É uma pergunta justa, embora eu suspeite que, mesmo se eu soubesse de antemão cada enredo de “Eileen”, eu ainda teria sido dominado pelo controle da direção de Oldroyd (tão evidente aqui quanto em “Lady Macbeth”), pela fria Nova Inglaterra do filme. atmosfera e design de produção impecável dos anos 60 e, especialmente, pela postura sedosa de Hathaway e pela travessura turbulenta de McKenzie. Certamente eu teria ficado impressionado com a performance surpreendentemente crua de Marin Ireland como uma mulher que lembra você – de maneiras que outros filmes poderiam aprender – que, de fato, sempre há mais na história, e que mais frequentemente é aterrorizante.
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