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Uma pintura de Alannah Farrell dá as boas-vindas na entrada da casa do colecionador de arte Arushi Kapoor em Beverly Hills. A pintura ousada mostra as costas de um corpo quase nu em um sofá. A pessoa retratada usa apenas um arnês e meias tubulares.
Entrando na sala em direção ao sofá de Kapoor, uma grande bandeira americana de arco-íris de plástico está pendurada em uma vassoura. Na parede oposta, a “colagem de ideias” de Ricky Sencion se materializa em uma grande tela rosa com desenhos de ovelhas, picolés e frases cursivas. As peças fazem parte da última exposição de Kapoor, “Decoding Americana’s Queer Sensibilities”, que transformou sua casa pessoal em uma mostra coletiva com artistas LGBTQ+.
O programa, com curadoria de Kapoor e Steve Galindo e que termina na sexta-feira, questiona o que é considerado americano, levando os espectadores a expandir a definição para incluir a paisagem multicultural e multidimensional – uma que é assumidamente queer. A decisão de se unir ao empreendimento – que durou dois anos – resultou do interesse da dupla em amplificar vozes sub-representadas no cenário artístico de Los Angeles.
“Percebi que existe uma cena artística paralela acontecendo para a comunidade LGBTQ+ que não tem acesso total à cena artística por excelência dos curadores do museu”, disse Kapoor.
Uma pintura de Alannah Farrell de alguém quase nu, com arnês e meias tubulares, em exibição na “Decoding Americana’s Queer Sensibilities”.
(Mara Friedman)
Galindo se concentrou em nutrir o relacionamento que mantinha com organizadores comunitários, curadores e outras galerias para reunir uma programação de artistas para a mostra coletiva. Os artistas finais incluem Evangeline AdaLioryn, Farrell, Stuart Sandford, Little Ricky (também conhecido como Ricky Sencion), Mia Weiner, Sara Sandoval, Duane Paul, Naruki Kukita, Sophia Gasparian, Joey Brock, Miguel Angel Reyes e Rubén Esparza.
Galindo se inspirou nos espaços de arte LGBTQ+ e mostras que se desenvolveram organicamente, como “Bienal Queer”E os projetos de arquivo de Guadalupe Rosales que documentam coisas efêmeras chicanas e latinas dos anos 1970 aos anos 90.
“Dentro desse trabalho de arquivamento e historicização nasceu minha paixão por reunir a comunidade trans e não binária e os artistas queer”, disse Galindo. “Quero ajudá-los a alcançar esse nível onde o seu trabalho possa ser historicizado e arquivado.”
Existem “grandes barreiras à entrada” no mundo da arte, especialmente para artistas sub-representados, disse Kapoor. O objetivo da exposição é chamar a atenção dos artistas para grandes curadores, colecionadores e galeristas, para que seus trabalhos possam viver nas paredes fora de sua casa. Antes da exposição, a obra foi retratada de forma bastante pública: no Hollywood Boulevard como um outdoor digital no Fox Theatre.
“BigMuscle Folsom Dance in the Light” de Miguel Angel Reyes.
(Mara Friedman)
“Os artistas queer historicamente têm sido uma grande parte da cena artística americana contemporânea”, disse Kapoor, apontando para os artistas Andy Warhol e Keith Haring.
“Na verdade, não os associamos principalmente à sua identidade”, disse Kapoor sobre os artistas. “É sempre a obra de arte em primeiro lugar e depois a identidade deles vem em segundo lugar. Para artistas emergentes, é o oposto.”
As peças de montagem de Paul combinam partes do corpo – braços, corações, pênis e vaginas – e as dividem em um corpo desconstruído. Até mesmo o trabalho que ele criou através da bolsa Individual Master Artist Project da cidade de Los Angeles, atualmente em exibição no Parque Barnsdall em East Hollywood, está intrinsecamente ligado à sua identidade.
Vista da instalação de uma escultura de Duane Paul feita em jeans.
(Mara Friedman)
Uma das obras expostas na mostra é feita em denim que ele colecionou na Goodwill, incorporando à peça a essência e as memórias dos proprietários anteriores. Suas criações abstratas refletem as experiências de pessoas de cor, especialmente homens negros queer, na forma como ele marca e costura o trabalho.
“Estou combinando meu trabalho fotográfico, meu trabalho de pintura e meu trabalho escultórico em uma apresentação de ideias que exploram gênero, sensualidade, sexualidade, raça – às vezes apenas brincando com forma e composição – o que sempre me leva de volta ao que estou vivenciando. no mundo”, disse ele.
A curadoria de Galindo também é inspirada em sua ascendência negra caribenha, raízes indígenas e americanidade de primeira geração. Ele queria explorar a identidade e sua intersecção com gênero e sexualidade.
Em um esforço para elevar os artistas negros, pardos e indígenas, Galindo enfatizou olhar além dos meios tradicionais de escultura e pintura e “introduzir novas formas como pintura em spray e estêncil e arte de rua como meios viáveis que são bonitos, que valem a pena ser colecionados e sendo historicizado”, disse ele.
Pinturas vibrantes em estilo graffiti de Sara Sandoval e Sophia Gasparian em exibição na exposição coletiva “Decoding Americana’s Queer Sensibilities” na Arushi Gallery.
(Mara Friedman)
Para a exposição, Kapoor transferiu sua coleção particular e adornou sua casa com arte para mostrar como os espectadores poderiam exibir as diversas peças de arte em suas próprias casas.
“Eu realmente quero que todos que andam pela casa a imaginem em um ambiente caseiro, porque é aí que aspiramos e queremos que as obras de arte cheguem e sejam apreciadas”, disse Kapoor.
Ao expandir os espaços que a arte dos artistas LGBTQ+ ocupa, Kapoor espera poder inspirar uma futura geração de artistas, como fez com Weiner.
Weiner cresceu vendo artistas queer em museus aqui e ali, de Catherine Opie a Nick Cave, e cada caso ofereceu um vislumbre de esperança.
“Meu trabalho foi exibido em muitos contextos diferentes, mas nunca participei de uma exposição que tratasse apenas de identidade”, disse Weiner. “É uma parte muito importante do trabalho.”
A arte de Weiner explora o género e a psicologia das relações humanas através de retratos têxteis de pessoas muitas vezes sem género. Os têxteis já têm uma história de género infiltrada no trabalho feminino. Ao criar com este meio, ela aspira “refazer legados feministas” e quebrar as fronteiras dos têxteis. Weiner começa com uma foto e cria o trabalho com um tear assistido digitalmente. Embora o lado digital ajude com os detalhes, ela altera algumas das imagens para retratar figuras sem cabeça e identidades ocultas – dando agência aos corpos.
A artista Mia Weiner está em frente à sua obra de arte têxtil que retrata corpos não identificáveis.
(Mara Friedman)
“Eles olham para nós, mas não conseguimos realmente encará-los”, disse ela. “É aí que está o nosso intelecto. É a nossa visão.”
Sua arte muitas vezes retira a sexualidade e o erotismo do corpo.
“Acho que quando você olha para essas imagens sem cabeça, seu corpo se torna o corpo de uma maneira diferente”, disse Weiner. “É uma experiência visceral para mim versus uma narrativa de duas pessoas específicas, e eu queria que fosse mais sobre esse estado emocional e quero sentir os mesmos sentimentos.”
Para AdaLioryn, exposições como “Decoding Americana’s Queer Sensibilities” podem ser melancólicas. Embora os shows em si sejam celebrações, as criações dos artistas LGBTQ+ são muitas vezes subprodutos da dor. Há uma mensagem profunda fervendo por baixo da tela, da cerâmica e do tecido. Isto é especialmente verdadeiro para ela, como mulher trans.
AdaLioryn cria obras de cerâmica centradas na fragilidade.
Colagem de pintura de Ricky Sencion com ovelhas, frases e o logotipo da 7-Eleven em exibição na exposição coletiva “Decoding Americana’s Queer Sensibilities” na Arushi Gallery.
(Mara Friedman)
“Em grande parte, meu trabalho foi feito a partir da necessidade e necessidade de proteger as pessoas trans”, disse ela. “Comecei há muitos anos na cerâmica e as primeiras coisas que fiz foram armas e armaduras.”
“É um sigilo de proteção”, disse AdaLioryn sobre seu olho de Deus de cerâmica com asas de pássaro moldadas em cada lado.
“Desenvolvi, ao longo do tempo, meu próprio tipo de adoração de formas, sigilos e simbologia”, disse ela. “E então isso foi feito como um feitiço de proteção.”
AdaLioryn disse que encontrou conforto em trazer seu trabalho para Kapoor e Galindo porque eles entenderam a necessidade de valorizar artistas sub-representados. Como artista trans, ela disse que é difícil se sentir incluída – não apenas em shows não específicos de identidade, mas também em espaços LGBTQ+.
“Há uma relação tão tumultuada com o T em LGBTQIA+ onde, historicamente – e mesmo agora – eu realmente questiono como o resto do LGBTQ aparece para esse T”, disse AdaLioryn.
A artista Evangeline AdaLioryn está diante de sua obra de arte em cerâmica.
(Mara Friedman)
AdaLioryn, que também tem uma exposição individual em Sebastian Gladstone em abril, descreveu a abertura da exposição como radical por reunir tantos artistas diante do mercado de arte. “Isso é literalmente desconstruir e reconstruir algo histórico”, disse ela.
“Essa capacidade de nos comunicarmos e também de nos destacarmos em um local seguro é nova, é linda e importante”, acrescentou ela.
Kapoor vê um “bloqueio mental” quando se trata da percepção das pessoas sobre a arte queer. Caminhando por sua casa, os espectadores verão de tudo, desde esculturas abstratas até graffiti. Alguns retratam a estranheza diretamente, mostrando homens sob um olhar estranho e casais gays de mãos dadas, enquanto outros mantêm o tom da estranheza nos retratos clássicos.
“O objetivo é que o espectador, ao caminhar pela exposição, perceba que não existe construção, não existe caixa, não existe um tipo de obra de arte porque existem muitos tipos de pessoas em uma comunidade”, Kapoor disse.
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